La pintura Pietá, Van Gogh es una de las obras que el artista realizó antes de su fallecimiento en el año 1890, a diferencia del resto de sus pinturas, esta es la única en donde el tema central es la fe religiosa. En el artículo de hoy, haremos una exposición detallada acerca de la historia de esta obra, sus características y haremos mención a la vida de Van Gogh.
Historia de la pintura Pietá
La obra de la Pietá, Van Gogh fue pintada por el artista unos pocos meses antes de su muerte, la cual tuvo lugar durante el mes de julio del año 1890. A pesar de que Van Gogh era un fiel creyente, muy pocas veces se le vio retratando cuadros de esta temática. La anotación autógrafa en el ángulo derecho aclara que en esta situación lo que ocurrió es que el pintor se vio inspirado por la litografía tomada de la Piedad de Eugène Delacroix. Es por esta razón que la pintura posee un carácter único.
En una de las cartas escritas por Van Gogh en el año 1889, el artista le escribió una en especial a su hermano, en la que se expone el siguiente fragmento textual:
“No soy indiferente, y aún sufriendo, a veces los pensamientos religiosos me traen gran consuelo. Esta última vez, durante mi enfermedad, me sucedió un desafortunado incidente; la litografía de la Pietá de Delacroix y algunas otras hojas, se cayeron sobre aceite y pintura y se deterioraron. ¿Sabes por qué las pinturas de Delacroix, los cuadros religiosos e históricos, como la “Barca de Cristo”, “Las Cruzadas”, tienen tanta fuerza? Porque cuando Eugene Delacroix hizo “Getsemaní”, primero fue a ver por sí mismo cómo era un huerto de olivos, y lo mismo hizo con el mar azotado por el mistral, y porque él debió decirse a sí mismo: Estas gentes, cuya historia nos cuenta,… tenían el mismo carácter y vivían de una manera análoga a la de sus actuales descendientes.
Si yo hubiese tenido fuerzas para continuar, hubiera hecho retratos de santos y santas de la vida real que hubieran parecido que pertenecían a otra época, y ellas hubieran sido mujeres de clase media de hoy, y, aún así, hubieran tenido algo en común con los cristianos primitivos.
Sin embargo, las emociones que me provocan son tan fuertes, que debo parar, pero más tarde no digo que no vuelva a la carga.”
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Lo que el pintor trataba de explicar era que Delacroix antes de dedicarse a dibujar un tema se llenaba de la realidad del mismo. Sin embargo, en el caso del “mar azotado por el mistral”, hace alusión al mar Mediterráneo, y comete un error, dado que Delacroix se había inspirado en Dieppe, un pequeño pueblo ubicado en la costa francesa del Canal de la Mancha, donde había pasado algunas temporadas.
Por otro lado, cuando habla acerca de la “Barca de Cristo”, una obra en la que se representa una barca agitada por un mar embravecido, lo que trató de transmitir el autor era la impotencia del hombre frente a las fuerzas de la naturaleza, y, en la “Piedad” que sirvió como inspiración para Van Gogh, la Virgen parece mostrar su impotencia para luchar contra las fuerzas del destino.
La Pietá fue una pintura que Van Gogh hizo para su hermana Willemien, a la que el autor le escribe en una de sus cartas la interpretación centrada en la “Mater dolorosa”, una mujer de pueblo que se entrega por completo al sufrimiento, a menudo rechazada por la sociedad. Lo más cercano a la iconografía tradicional es la figura de Cristo, la cual algunos expertos reconocen que puede tratarse del autorretrato de Van Gogh.
De una misma manera, Van Gogh realizó para su hermano Theo una primera versión del mismo tema, pero con un tamaño mucho mayor y con cromatismos más encendidos. Hoy en día este primer modelo se encuentra en exposición en el Van Gogh Museum de Ámsterdam.
¿Dónde se encuentra la obra?
Como bien ya mencionados anteriormente, Van Gogh realizó en líneas generales dos representaciones de la Pietá, la segunda versión fue hecha exclusivamente para su hermana Willemien. Sin embargo, la primera versión, el autor la hizo para su otro hermano, la misma es la que se puede apreciar dentro de las exhibiciones de cuadros en el museo de Van Gogh de Ámsterdam.
¿Sobre qué trata la pintura Pietá?
Algunos expertos en las artes alegan que la selección del tema religioso se debe a un sentimiento supersticioso de Van Gogh que se dio a causa de la caída accidental de la litografía de Delacroix sobre óleo y pintura. Esta hipótesis es validada por aquellas personas que consideran que Van Gogh había perdido su fe, por lo que la superstición era el único medio para poder justificar algo tan infrecuente en este artista, como es la elaboración de un cuadro religioso.
No obstante, existe otra explicación, las personas que fueron cercanas al artista alegan que el mismo en ningún momento perdió su fe. Luego de la desmoralización que le provocó su primera e inesperada recaída en Saint Rémy, por lo que lucha sin descanso en un esfuerzo por salir de la depresión en que se encontraba, y para esto se aferró a todo lo que pudiera darle salvación, luego de la pintura, su fe religioso era lo que le daba consuelo.
Van Gogh se identificaba con las penurias que había vivido Cristo, e inmerso en su soledad, siente la necesidad de cerrar los ojos para poder encontrar consuelo y protección en el regazo de una mujer, en este caso en el de la Virgen, o también pudo haber sido su madre, o en su defecto, cualquier mujer que la tuviera idealizada. De esta manera, la Pietá, Van Gogh se transforma en una metáfora de su propia persona.
Igualmente, en esta pintura también se ve reflejado un aspecto positivo, no es un cuadro que solo se representa el dolor, sino que contiene un mensaje de esperanza. En cualquiera de las pinturas que se hicieron acerca de la Pietá, no hay más sufrimiento que el de la Madre, el de la Virgen. Por otro lado, para Cristo, ya todo ha llegado a su fin, con su muerte todo sus sufrimientos han culminado, posteriormente vendrá la gloria de su resurrección.
En este caso, para el artista Van Gogh la muerte mental es una representación a que su recaída ha terminado, se ha logrado recuperar, por lo que solo queda una pregunta que hacerse luego de que abra sus ojos ¿Habrá también una resurrección para él?
Características de la obra
La fecha exacta en la que se llevo a cabo esta pintura posee cierta polémica. “The Works of Vincent van Gogh” es un trabajo hecho por De la Faille, que murió en el año1959 dejando una obra manuscrita. La misma fue publicada en el año 1970, bajo la supervisión de un grupo de expertos, entre ellos Hammacher, que hicieron las debidas correcciones y adiciones al manuscrito original.
En este texto, el autor acepta que la Pietá, Van Gogh fue terminada en la fecha que alega Cooper, el cual lo pone durante el período de Auvers. A pesar de ello, los editores del manuscrito, por cuestiones estilísticas, argumentan que la pintura pertenece al período de Saint Rémy. No se tiene conocimiento del porque uno de los autores situó a la obra en la época del Auvers, también se desconoce porque los editores lo cambian por cuestiones estilísticas, cuando en una de las cartas de Van Gogh en 1889 ya estaba comentando de su obra.
Se tiene la teoría que en la carta en donde se hace mención a la pintura pudo haber estado mal datada, sin embargo, este hecho no tiene validez, dado que hace referencia a Madame Trabuc, que vivía en Saint Rémy. Hulsker, es probable que la máxima autoridad actual, estime que el cuadro se realizó en Saint Rémy, en el mes de Septiembre.
En un mismo sentido, se ha hablado mucho acerca del hecho de que el pintor realizó este cuadro sin tomar medidas anteriores. Para profundizar en este acontecimiento, se llevaron a cabo una serie de procedimientos un tanto rudimentarios, y sin ningún valor científico, los cuales fueron los que se exponen a continuación:
- Se eligieron cinco distancias diferentes del cuadro (F 630) que posteriormente se compararon con sus homólogas del cuadro (F 757). El resultado de esto fue que para poder hacer una copia del segundo de los cuadros, es casi seguro que se tuvieron que haber tomado medidas a escala para marcar unos puntos de referencia que facilitaron el trabajo del autor.
- Luego de esto, se realizó una comparación de esas mismas cinco distancias en el cuadro de Van Gogh y en la litografía de Delacroix, en donde se encontraron tres medidas con una misma constante K y otras dos con una diferente. A partir de estos resultados, se puede suponer que se se tomaron algunas pocas medas, con el propósito de ayudar a situar las figuras en el cuadro.
- Con el fin de dar un mejor entendimiento de los resultados se hizo un experimento más. Se tomaron ambas pinturas, la de Vincent y Delacroix, a la misma escala, después se procedió a sacar fotocopias en transparencias, que se colocaron una sobre la otra para ver las coincidencias.
Cuando ambas imágenes de la Virgen se unen, hay una coincidencia con los ojos nariz y boca, hombro y brazo izquierdos, las manos izquierdas también coinciden pero, hay una diferencia de tamaño. Por otro lado, los brazos derechos de la Virgen coinciden en el hombro, no obstante, luego se desvían formando un pequeño ángulo, pero, los dedos terminan exactamente a la misma altura.
La mayor diferencia radica en el rostro de Cristo, en ambos cuadros, las figuras del mismo no coinciden. En el caso de que los rostros de Cristo hubieran coincidido, también lo hubiera hecho su hombro izquierdo, pero no los brazos derechos que, como en el caso de la Virgen, forman un pequeño ángulo.
A raíz de estas superposiciones, dan a la conclusión que para que las figuras coincidieran se debieron haber tomado medidas, aunque no muchas, de aquí las coincidencias y las discrepancias. Sin embargo, estos fueron experimentos que tuvieron una relevancia científica, por lo que no son muy confiables. Por lo que si en realidad no existió una toma de medidas, entonces nuevamente se reconoce la visión fotográfica del artista y de su precisión espacial óptica extraordinaria.
Como bien hemos hecho mención en los anteriores apartados, el cuadro de la Pietá, Van Gogh fue hecho para la hermana del artista. En una de las cartas que se encontraron, Van Gogh le escribe a ella y le brinda una descripción detallada acerca de la pintura, explicando lo siguiente:
”Es un cuadro con Cristo muerto y la Madre Dolorosa. El cuerpo exhausto reposa sobre la tierra a la entrada de una cueva, las manos se mantienen delante y hacia la izquierda, y la mujer está detrás.
Es un atardecer, después de una tormenta, y esa solitaria, desgraciada figura vestida de azul, con la ropa agitada por el viento, está destacada contra un cielo en el que flotan nubes violetas con bordes dorados. Ella también extiende sus brazos vacíos hacia delante, en un amplio gesto de desconsuelo y se pueden ver las fuertes manos de una mujer trabajadora. La forma de esta figura con sus vestidos tremolantes es casi tan ancha como alta.
El rostro del hombre muerto está en la sombra, pero la pálida cabeza de la mujer destaca claramente contra una nube, un contraste que hace parecer a las dos cabezas, una flor sombreada y una flor pálida, dispuestas de tal forma que mutuamente intensifican sus efectos.”
Vincent van Gogh
Van Gogh nació el 30 de marzo del año 1853. Fue el hijo de un austero y humilde pastor protestante neerlandés llamado Theodorus y de su mujer Anna Cornelia, su nombre fue el mismo que el que le habían puesto a un hermano que nació muerto un año antes de su nacimiento. El 1 de mayo de 1857 nació su hermano Theo y ambos tuvieron cuatro hermanos más: Cornelius Vincent, Elisabetha Huberta, Anna Cornelia y Wilhelmina Jacoba.
La educación durante su infancia fue muy irregular e interrumpida, puesto que sus padres lo enviaban a diferentes internados. El primero de ellos en Zevenbergen en 1864, en donde aprendió hablar francés y alemán. Posteriormente, fue aceptado en la escuela secundaria HBS Koning Willem II (Tilburg) y pasó a vivir con la familia Hannik en la calle Sint Annaplein 18-19 en donde se mantuvo hasta que finalizó sus estudios de manera definitiva a los quince años.
Su iteres en la pintura floreció durante esta época y con menos de 10 años estudiándola le dieron a Van Gogh un lugar entre los genios de la historia del arte, y se hace difícil pensar cual fuera sido su aportación si él mismo no fuera trazado su trayectoria. No obstante, vale la pena mencionar que su dedicación fue corta pero apasionante, ya que cuenta con un legado de alrededor de ochocientos cuadros, además de numerosos dibujos y aguafuertes.
Las pinturas que realizó el pintor durante su estancia en Francia se cataloga como el periodo más oscuro que vivió Van Gogh, en realidad sus piezas más importantes fueron hechas dos años antes de su llegada a la capital francesa. En estas primeras pinturas, el autor retrató con crudeza el sufrimiento de los trabajadores humildes sometidos a considerables esfuerzos físicos y sus miserables condiciones de vida.
El cuadro más relevante en el que se ve mejor reflejado esta temática es conocido como Los comedores de patatas. En el mismo se muestran a cinco personas que se reúnen a las siete de la tarde en un lúgubre comedor para tomar patatas y café. Con crudeza y dramatismo, Van Gogh revela en sus rostros la miseria sin esperanza. Una tenue lámpara de gas ilumina poco los alimentos, la mesa y los cuatro personajes del fondo.
Las facciones son caricaturescas, los cuerpos deformes y el ambiente claustrofóbico. Desde el punto de vista formal, la obra se caracteriza por pinceladas gruesas y agitadas en tonos muy oscuros. La identificación del artista con el sufrimiento de los pobres y marginados encuentra su vehículo en esta inmediatez de los medios pictóricos utilizados, totalmente ajenos a los convencionalismos academicistas.
A inicios del mes de diciembre del año 1888 Gauguin realizó un retrato de Vincent, Van Gogh pintando girasoles, el artista pensó que era así debía de lucir su locura. Luego del acontecimiento sobre la oreja mutilada, terminó una tempestuosa convivencia de dos meses y, con ella, la utopía de crear una comunidad de artistas en el sur de Francia. A raíz de todos estos hechos, cayó en una crisis mental que que lo mandó a internarse en un hospital
A partir de ese momento, Van Gogh empezó a desarrollar diversas crisis nerviosas, aunque las mismas no afectaban en gran medida su acelerado trabajo. En primera instancia, estuvo internado en el sanatorio mental de Saint-Rémy, y luego, bajo la atención del doctor Gachet, en Auvers-sur-Oise. En algunos de sus obras que fueron dedicadas a su médico, subraya su pasividad y melancolía en un gesto plenamente romántico.
Las pinturas que se hicieron durante este periodo hacen un intenso contraste y reflejan su íntima desdicha y los sufrimientos que estaban en su interior, entre los cuales vale la pena hacer mención de el tratamiento formal, nervioso y desasosegado hasta el paroxismo, las pinceladas gruesas y ondulantes y los bruscos colores de su paleta expresan su zozobra.
A pesar de ello, no todas sus obras de esta época fueron sombrías. En realidad, algunas de las cartas que el autor le escribió a su hermano estaban iluminadas por una alta y feliz embriaguez creadora, por el gozo de una liberación artística finalmente alcanzada en íntima comunión con la libre naturaleza.
Ha sido todo por el artículo de hoy, esperamos que la información proporcionada haya sido de gran ayuda. En un mismo sentido, le hacemos la invitación a leer también: Claude Monet y Pablo Picasso
