Caravaggio, importante pintor italiano, obras y técnicas

Caravaggio fue un pintor procedente de Italia muy reconocido en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia durante los años 1593 y 1610, en sus obras se puede ver la combinación de la figura humana realista junto con el juego de la luz. En el artículo de hoy nos dedicaremos a realizar un recorrido acerca de la vida y obra de este destacado artista.

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¿Quién fue Caravaggio?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, mejor conocido como Caravaggio, fue un pintor de Italia famoso en Roma, Nápoles, Malta y Sicilia durante los años 1593 y 1610. La mayoría de sus obras tienen una combinación de la figura humana desde lo físico como en lo emocional, junto con el juego de la luz, lo cual ejerció una influencia decisiva en la formación de la pintura del Barroco.

Caravaggio lo que deseaba era exponer la anatomía del cuerpo humano mientras empleaba un dramático claroscuro que más tarde se denominó tenebrismo. Dicha técnica se convirtió en un elemento estilístico dominante, oscureciendo las sombras y transfigurando objetos en brillantes haces de luz. Gran parte de sus pinturas trataban de escenas violentas de tortura y muerte.

Tuvo una fuerte influencia en el naciente estilo barroco que provino del manierismo y se pude apreciar en las pinturas de otros celebres artistas como Pedro Pablo Rubens, José de Ribera, Rembrandt y Diego Velázquez, así como en otros pintores de la siguiente generación, que por manifestar su profundo influjo fueron llamados ”caravaggistas”.

A pesar de las obras del pintor fueron una influencia importante en el surgimiento del estilo Barroco, el realismo dramático fue incorporado sin el trasfondo psicológico que se veía en las pinturas. Con el paso de los años Caravaggio dejó de ser tendencia puesto que los estilos y modas se fueron modificando. Sin embargo, sus obras fueron aclamadas nuevamente a inicios del siglo XX, cuando se reconoció su importancia en el desarrollo del arte occidental.

En la actualidad no existe mucha documentación acerca de las pinturas de este artista italiano, en el mundo hay menos de 100 de sus obras, de las cuales 80 son reales y el resto se le atribuyen en medio de polémicas y debates.

Biografía

Para conocer con mayor detalle el como surgió el arte de Caravaggio, se debe explorar mucho sobre su historia. De esta manera, en el presente apartado expondremos sobre la vida de este artista, pasando desde su infancia, su vida en Roma hasta llegar a su fallecimiento.

Familia

Caravaggio nació en Millán donde su padre Fermo Merisi, trabajaba como un administrador y arquitecto decorador del Marqués. Su madre Lucía Aratori venía de una familia adinerada. En el año 1576 la familia se trasladó hacia Caravaggio a causa de la peste que llegó a Milán, el padre del pintor falleció un año más tarde. Durante su tiempo en la ciudad, hicieron amistad con las familias Colonna y Sforza quienes fueron un apoyo importante para Caravaggio durante su formación.

En 1584 empezó como aprendiz de pintor del conocido Simone Peterzano, quien fue descrito en el contrato como pupilo de Tiziano. Luego de haber terminado su momento de aprendiz comenzó a moverse entre las ciudades de Milán y Caravaggio, y pasó algún tiempo en Venecia, en donde conoció las pinturas de Giorgione (que más tarde fue acusado de plagio) y de Tiziano.

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Su familia le mostró el patrimonio artístico y cultural de Milán, su ciudad natal, en donde tuvo la ocasión de ver la pintura La última cena de Leonardo da Vinci. El arte milanés era en palabras del pintor: ”Un estilo en el que valoraba la simplicidad y la atención al detalle naturalista, y que estaba más próximo al naturalismo de Alemania que a la formalidad y la grandeza del manierismo romano”.

Su vida en Roma

A mediados del año 1592 Caravaggio se fue a Roma, sin nada de comida, ropa o comida. Pocos meses después empezó con su trabajo de arte que no concluyó hasta dejar Roma. Durante su tiempo en la ciudad se puso en contacto con Giuseppe Cesari, pintor de cámara de Clemente VIII, quien le ofreció un trabajo en su taller de arte.

Caravaggio realizó una serie de cuadros durante su estadía en la ciudad, entre los cuales se puede mencionar: Muchacho pelando fruta (su primera pintura conocida), Cesto con frutas y Baco, del que se piensa que es un autorretrato de convalecencia posterior a su salida del taller de Cesari.

Las obras mencionadas muestran una peculiaridad física que hizo que Caravaggio adquiera renombre: las frutas de la canasta en Cesto de frutas fueron analizadas para un maestro de horticultura, quien pudo visualizar cultivos dentro de la obra: ”una gran hoja de higuera, con una mancha causada por un hongo, que parece ser antracnosis”.

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El artista dejó el taller de Cesari en enero de 1594 para abrirse camino en el ámbito artístico por su propia cuenta. Para ese entonces el mismo no disponía de un gran capital pero fue el momento en el que empezó a hacer importantes amistades, como el pintor Próspero Orsi, el arquitecto Onorio Longhi y el joven siciliano Mario Minniti. Orsi, lo presentó con los grandes coleccionistas, Longhi, lo llevó al mundo de las peleas callejeras romanas, mientras que Minniti le sirvió de modelo y años lo ayudó en su estadía en Sicilia.

Caravaggio expuso una nueva forma de realismo, ya que por primera vez le encargaron nuevos trabajos religiosos. La Contrarreforma requerían decorar sus vistosos templos, y el pintor fue uno de los comisionados para ilustrar sus nuevos templos.

La primera pintura que realizó fue La Magdalena Penitente, en donde se muestra a la pecadora bíblica abandonando su vida de cortesana y sentándose a llorar en el piso, mientras sus joyas están dispuestas a su alrededor. Sin embargo, su obra no fue muy valorada para la época puesto que al parecer no representaba ningún aspecto religioso en cuestión.

En el año 1599, bajo la influencia del cardenal Del Monte, Caravaggio fue contratado para hacer la decoración de la Capilla Contarelli, en la iglesia romana de San Luis de los Franceses. Tuvo la responsabilidad de llevar a cabo dos trabajos, los cuales fueron: El martirio de San Mateo, y La vocación de San Mateo, ambos entregados en el año 1600.

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El tenebrismo de nuevo fue uno de los factores más resaltantes en los dos trabajos, se fue incrementando el claroscuro y un realismo barroco muy emocional. Este claroscuro se realizaba a través del contraste de luces proyectadas sobre los elementos de la obra, dotándolas así de mayor importancia a unos sobre otros. Mediante esta técnica fue que fue integrándole la característica tenebrosa a la obra.

Durante un largo periodo el artista continuó haciendo trabajos religiosos, en los que destacaba la muerte en figuras grotescas de martirios, decapitaciones y asesinatos. Para la mayoría de los pobladores de Roma estos aspectos fueron los que dotaron al pintor de popularidad, mientras que para otros sus obras no tenían el verdadero sentido de la doctrina católica, por lo que Caravaggio debió rehacer algunas pinturas sin el aspecto violento. El principal problema de las pinturas del artista era que tenía una forma bastante explícita de representar el dramatismo, visto muchas veces como vulgar.

Posteriormente, el artista debía realizar la obra más celebre de toda su carrera, una pintura de San Mateo inspirado con el objetivo de escribir el evangelio, junto a un ángel que supuestamente le dictaría las divinas enseñanzas.

Últimos tiempos

Como se ha podido apreciar, la vida de este pintor fue muy tumultuosa, la mayor parte de ella estaba metido en riñas. La noche del 29 de mayo de 1606 fue acusado de matar (probablemente por accidente) a un hombre llamado Ranuccio Tomassoni. En un momento sus mecenas le protegieron de posibles acciones judiciales en su contra motivadas por riñas, pero esta vez fue diferente.

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Con una orden de aprehensión a sus espaldas y fuera de la ley, Caravaggio huyó a Nápoles. En ese lugar estuvo bajo la protección de Colonna, la autoridad romana veía mermado su poder. En poco tiempo tiempo se convirtió en la estrella artística napolitana. Mientras estuvo en Nápoles realizó Siete obras de misericordia y la Madonna del Rosario, entre otros.

Luego de esto se trasladó a Sicilia, con el apoyo de su viejo amigo y discípulo Mario Minniti, quien ahora estaba casado y vivía en Siracusa. Ambos realizaron una gira por toda Siracusa, Mesina y la ciudad capital, Palermo. Por muchos años el pintor siguió realizado trabajos bien pagados, como La sepultura de Santa Lucía, La resurrección de Lázaro y La adoración de los pastores. Con el paso del tiempo su estilo se fue estilizando hasta alcanzar figuras aisladas ante un enorme vacío.

Las críticas que se hicieron a los trabajos del artista durante este periodo señalaron que Caravaggio en este tiempo era hosco e insociable, que dormía armado y estaba inseguro de su suerte. En varias oportunidades su vida se vio expuesta por medio de su obra, las de esa época eran burlonas y satíricas, especialmente con los pintores locales.

En el verano de 1610 se mudó de nuevo a Roma para poder ser indultado, lo cual pudo conseguir por medio de sus influyentes amistades romanas.​ Los extraños eventos que tuvieron lugar en Roma fueron el objeto de muchas suspicacias populares. El 28 de julio un periódico de Roma anunció que Caravaggio había fallecido.

Días después otro periódico informó que la muerte del pintor había sido a causa de fiebre en Porto Ércole. Las confusiones generadas por el segundo aviso fueron tan grandes que nunca supieron si esto había sido verdad, dado que el cuerpo no se encontró.​ Un poeta, amigo íntimo del pintor, afirmó que la fecha de su fallecimiento fue el 18 de julio, por una fiebre en Porto Ércole, cerca de Grosseto, en Toscana.

Principales obras de Caravaggio

Una vez ya conocida la historia y vida del pintor Caravaggio, comenzaremos a hablar sobre sus obras más destacadas. Como ya se ha expuesto antes, hoy en día no se conservan una amplia cantidad de sus pinturas, pero se conoce bien las más destacadas, que son las que expondremos a continuación.

La vocación de San Mateo

La vocación de San Mateo es un cuadro llevado a cabo por Caravaggio en óleo sobre lienzo. El mismo es perteneciente al ciclo de Vida de san Mateo que le fue encargada en 1599 para decorar la Capilla Contarelli en la iglesia romana de San Luis de los Franceses,​ donde se mantiene hasta el día de hoy.

Algunos años atrás, el cardenal Matteo Contreil dejó fondos e instrucciones específicas para la decoración de una capilla sobre su santo patrón. Las decoraciones de la cúpula empezaron con frescos del artista manierista de la época, entre los cuales se encontraba Caravaggio.

No obstante, el mismo no fue la primera elección, pero al presentarse una discrepancia, las influencias del artista intervinieron para conseguir su primer encargo eclesiástico y sus primeras pinturas con algo más que un puñado de figuras.

Esta pintura se encuentra enmarcada en el lado opuesto de El martirio de San Mateo. Entre ambas obras en el altar, está La inspiración de san Mateo (1602).

Baco

Baco es una pintura hecha por el mismo pintor en oleo sobre lienzo, teniendo unas dimensiones de 98 centímetros de alto por 84 de ancho. Esta obra actualmente se encuentra en la Galería de los Uffizi de Florencia, Italia.

Esta obra es una representación del joven dios Baco, reclinado a la manera clásica con uvas y hojas de parra en el pelo, tocando el cordel de la floja toga que le cubre. Sobre una mesa de piedra enfrente de él se encuentra una taza de fruta y una jarra grande de cristal con vino tinto. En su mano izquierda ofrece al espectador un cáliz o copa de vino llana y ancha, aparentemente invitando al espectador a unirse a él.

Dicho vino tiene poco tiempo de haberse servido debido a la espumosidad de esto, Baco sostiene en la mano el cáliz con poca seguridad. Tanto su rostro como sus manos están sonrojadas y contrastan con la palidez de la piel, indicando un estado de ligera ebriedad.

David con la cabeza de Goliat

David con la cabeza de Goliat es una obra que se realizo entre los años 1609 o 1610 por el pintor barroco italiano Caravaggio. En la actualidad la pintura se encuentra conservada en la Galería Borghese, Roma. Asimismo, otra versión de la misma también ejecutada por Caravaggio, se encuentra en el Museo de Historia del Arte de Viena.

La pintura que pertenecía a la colección del cardenal Scipione Borghese en 1613, fue datada entre los periodos de 1605 y 1610 y se encuentra dentro de las candidatas como última obra de Caravaggio. En realidad, la misma expone los sentimientos de melancolía que se encontraban en los pensamientos oscuros del artista en sus últimos años.

La temática empleada se asemeja a la La degollación de San Juan Bautista en La Valeta, pero sin haber la presencia de colores brillantes y, por tratarse de una pintura pequeña, existe un grado de intimidad que no era evidente en otros trabajos. Fue una pintura en la que el artista esperaba obtener el perdón y la ayuda del cardenal para regresar a Roma, después de años de exilio a causa de un crimen cometido en la Ciudad Eterna.

La incredulidad de Santo Tomás

La incredulidad de Santo Tomás es una pintura llevada a cabo en el año 1602. La misma fue realizada para ser entregada a los Giustiniani. En la obra se puede ver a Cristo resucitado ante sus discípulos, pero Tomás se niega a creer, por lo que Jesús le ofrece que toque sus heridas.

El naturalismo típico de Caravaggio se puede ver presente en la pintura, al reflejar al santo como un incrédulo. Las luces, cumplen el papel de mostrar la figura y a dotarla de realismo. El motivo por el cual Tomás se niega a creer, da a entender que el mismo no poseía una fe tan fuerte como la de los otros discípulos y que es necesaria para ser seguidor de Cristo.

La decapitación de San Juan Bautista

La decapitación de San Juan Bautista es una obra que concluyó en el año1608. Actualmente se encuentra en la Concatedral de San Juan de La Valeta, Malta. Se ha considera como la pintura más importante que ha realizado Caravaggio en Malta y muchos la consideran su obra maestra.

La pintura expone la orden dada por Herodes de decapitar a Juan el Bautista por el capricho frívolo de Salomé, la hijastra de Herodes, a despensas de su madre, narrados en los evangelios de Mateo y Marcos.​

El cuadro se caracteriza por el balance que hay en cada una de sus partes. No es accidental que el artista haya añadido referencias en cuanto al escenario, situando la austera arquitectura del siglo XVI de la prisión como telón de fondo de los personajes. En la ventana, se pueden vislumbrar dos figuras silenciosas que son testigos de la escena, proyectando al espectador dentro de la pintura y no hacia afuera como ocurre con El martirio de San Mateo.

La técnica empleada también expone las limitaciones deliberadas y programadas buscada por Caravaggio pero, en medio de los tonos suaves y oscuros, se encuentra un sentimiento en el dibujo a lápiz al cual el artista no renuncia y que se puede apreciar incluso con los destellos de luz de sus últimos trabajos.

Este balance sumamente clásico, que se refleja más allá de cualquier contingencia, desata el cruel drama que resulta efectivo al punto que, ya había dejado de lado la ”estética de la exclamación”, Caravaggio limita toda señal de énfasis emocional, externa y excesiva.

La buenaventura

La buenaventura es una pintura hecha por el artista en óleo sobre lienzo. Hay dos versiones de la obra, la primera realizada en el año 1594 y que actualmente se encuentra en los Museos Capitolinos en Roma, y la segunda ejecutada un año después, dispuesta en el Museo del Louvre de París, bajo el nombre de La diseuse de bonne aventure.

La buenaventura forma parte de las dos piezas de género realizadas por Caravaggio en el año 1594, siendo la otra Jugadores de cartas. Se piensa que esta obra fue la primera de las dos, y que la misma se había realizado en el tiempo que Caravaggio había dejado el taller de Giuseppe Cesari para trabajar con independencia vendiendo sus cuadros a través del marchante Costantino. A partir de ella el pintor hace la introducción de un nuevo género que denominó: escenas de la vida cotidiana que tienen el objetivo de aleccionar al observador.

Cesto con frutas

Cesto con frutas es una pintura hecha por Caravaggio en óleo sobre lienzo y ejecutada en el año 1596, hoy en día se puede apreciar en una de las salas de la Pinacoteca Ambrosiana de Milán, Italia.

Mucho se ha debatido acerca de esta obra, en general, en condición lejana a la perfección. Es muy probable que el artista ejecutara lo que tenía a la mano o quizás si poseía una significado en el sentido de la ”caducidad de todas las cosas” haciendo referencia al Libro de Amós.

Estudios recientes a la obra han demostrado que la misma fue ejecutada en un lienzo ya pintado con temas grotescos en el estilo del amigo de Caravaggio Prospero Orsi, quien le ayudó al pintor a dar su primer gran paso adelante hacia los círculos de coleccionistas tales como su primer patrón, el cardenal Francesco María Del Monte, alrededor de 1594-1595.

En un mismo sentido, ha existido un gran debate acerca de la fecha exacta en la que esta pintura fue realizada. Muchos alegan que la misma fue terminada en el año 1610, no obstante, cada año existe un nuevo debate acerca de este tema. Igualmente, se expone que la pintura presenta una similitud con una de las primeras obras de Caravaggio sobre Los discípulos de Emaús, pero no hay un consenso final sobre este hecho.

Santa Catalina de Alejandría

Santa Catalina de Alejandría es una pintura ejecutada por el artista en el año 1597, la misma hoy se encuentra exhibida en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Pertenece a una de las cuatro obras seguras del artista conservadas actualmente en España.

Esta obra anteriormente se encontraba colgada en el Palacio Barberini de Roma cuando la mansión le pertenecía aún a la poderosa saga Barberini. Hacia el año 1930, el gobierno de Benito Mussolini autorizó la exportación de diversas obras de los Barberini, entre las cuales estaba esta pintura y Jesús entre los doctores de Durero, que pasaron a una galería de arte de Suiza. Años más tardes fueron compradas por la familia Thyssen-Bornemisza y en 1992 se incluyeron en el repertorio expuesto en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

En la pintura se expone a la Santa Catalina de Alejandría, que domina toda la composición. Era uno de los cuadros más valorados para el cardenal Francesco María Del Monte, mecenas del pintor y poseedor de otros cuatro cuadros sobre la santa, de varios autores.

Alrededor de la santa se encuentran los objetas que emplearon para torturarla, pero la misma siempre muestra un ideal de dulzura y tranquilidad, si bien como una muchacha de pueblo. Esta obra fue el preludio a las demás pinturas realizadas para las iglesias romanas.

Reconocimientos a Caravaggio

La fama del artista apenas y sobrevivió a su fallecimiento. No obstante, su influencia en el claroscuro y en la interpretación del realismo psicológico se mantuvo por largos años. De una misma manera, tuvo una fuerte influencia en el arte de su compañero Orazio Gentileschi, y la hija de este, Artemisia Gentileschi. Años después sus obras fueron inspiraciones para los franceses Georges de La Tour y Simon Vouet, y al español José de Ribera.

Con el paso de los años, sus pinturas se le fueron atribuidas a otros artistas más conocidos o simplemente se pasaron por alto. El Barroco fue un estilo artístico que también estuvo bajo la influencia de Caravaggio, pero que fue dejando este aspecto en el olvido. Un motivo que puede explicar el porque este olvido es que el pintor nunca tuviera su propio taller para difundir su estilo. Al igual que nunca escribió sobre su particular visión del arte, el realismo psicológico, que solo puede conocerse de las pinturas suyas que se han conservado.

En algunos museos se conservan en las salas numerosos cuadros, obra de otros tantos artistas, en os que se puede vislumbrar los aspectos característicos del arte de Caravaggio: ambientación nocturna, iluminación dramática, personas corrientes utilizadas como modelos, descripción honesta de la naturaleza.

Adicional a esto, en la actualidad artistas reconocidos como el noruego Odd Nerdrum y el húngaro Tibor Csernus se fijaron en las pinturas de Caravaggio en su afán de ver la naturaleza de otra manera. El artista estadounidense Doug Ohlson le ha rendido homenaje en muchas de sus pinturas. El director de cine Derek Jarman llevó la leyenda del artista al séptimo arte en la película Caravaggio, y el falsificador de arte holandés Han van Meegeren utilizó varias de sus obras para realizar otras falsas.

Ha sido todo por el artículo de hoy, esperamos que la información proporcionada haya sido de gran ayuda. Le hacemos la invitación a leer también: Arquitectura gótica y arquitectura del Barroco

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