Antonio Canova es un nombre fácilmente reconocible para los amantes de la artesanía increíble o aquellos inspirados en el período neoclásico. Hoy en día se la conoce como quizás la mejor artesana de la época y fue una luz principal durante su tiempo. Conoce en este apartado todo sobre este artista emblemático.
¿Quién fue Antonio Canova?
Antonio Canova fue un cantero italiano y pintor del neoclasicismo. Su estilo fue en gran medida impulsado por el oficio de la Antigua Grecia y sus obras fueron contrastadas por sus pares y la mejor creación de la época clásica, fue visto como el mejor artista europeo desde Bernini.
Biografía
Antonio Canova nace en Italia en 1757, luego fallece en Venecia en 1822. Tallador de piedra italiano. Junto al danés Bertel Thorvaldsen, Antonio Canova es el mejor tipo de figura neoclásica europea, al igual que el francés Jacques-Louis David fue el increíble as del neoclasicismo pictórico. Debido a sus humildes comienzos familiares.
No pudo buscar investigaciones imaginativas y comenzó a ensayar diferentes intercambios. En 1768, a raíz de su cambio a Venecia, Antonio Canova comienza a dedicarse al diseño e inmediatamente logra una distinción y notoriedad que mantuvo durante una duración increíble.
El nombre Antonio Canova está básicamente relacionado con modelos de mármol completamente terminados y limpios, que ejemplifican la excelencia ideal y son fríos y lejanos, liberados de la declaración de cualquier estimación o humillación. Este artista, que encapsula maravillosamente el sabor de su tiempo, captó muy quieto la excelencia característica.
Antonio Canova además tiene el valor de haber restablecido significativamente la clase de la asombrosa cámara funeraria, debido a las que grabó para los papas Clemente XIII y Clemente XIV. Entre las numerosas representaciones oficiales que hizo, Napoleón Napoleón es especialmente popular, una delineación total de las creencias neoclásicas.
Su distinción como artesano le abrió numerosas puertas y lo convirtió en un hombre inmensamente poderoso, a quien el papado dotó algunas misiones sensibles, por ejemplo, la recuperación de obras maestras devastadas por Napoleón.
Juventud
Antonio Canova pasó su infancia en talleres de artesanía, lo que indica una inclinación por la forma. A los nueve años tuvo la opción de hacer dos pequeños relicarios de mármol de zona elevada especial que a pesar de todo existen, y a partir de ese momento su abuelo le encargó hacer varios cargos.
El abuelo contaba con el apoyo de la acomodada familia Falier en Venecia y, teniendo en cuenta las capacidades de la joven Canova, el senador Giovanni Falier se convirtió en su defensor. Por él, a los trece años, fue puesto bajo el título de Giuseppe Bernardi, uno de los escultores de piedra más destacados de su época en Veneto.
Sus exámenes se complementaron con la entrada que necesitaba a importantes surtidos de modelos anticuados, por ejemplo, los mantenidos por la Academia de Venecia y la autoridad Filippo Farsetti, que lo ayudaron a establecer nuevos contactos con clientes pudientes.
Al poco tiempo, sus obras fueron alabadas por su inteligente virtuosismo y recibió sus primeros pagos, incluidos dos contenedores de mármol de productos naturales para el propio Farsetti. Cuando Canova tenía 16 años, su señor dio una patada al cubo y luego el taller fue tomado por su sobrino, Giovanni Ferrari, con quien Canova permaneció durante aproximadamente un año.
Últimos tiempos
Antonio Canova comenzó a preparar la empresa para otra escultura asombrosa, que indica la representación de Religión. No por servilismo, ya que era un amante intenso, pero su concepto de instalarlo en Roma terminó decepcionado, en cualquier caso, siendo financiado sin nadie más y el modelo preparado en su última talla, finalmente se ejecutó.
Antonio Canova optó por fabricar un santuario en su antiguo barrio donde trasladaría la primera figura junto a diferentes fragmentos de su iniciación y donde al cabo de un tiempo deberían descansar sus restos. En 1819 se colocó la piedra principal, cada época de cosecha regresaba para administrar el avance de la obra y brindar solicitudes a los desarrolladores.
Empoderándose con premios y reconocimientos monetarios. Sin embargo, el esfuerzo fue excesivamente costoso y el artesano tuvo que volver a visitar el trabajo al límite completo, a pesar de su edad y enfermedades. De esta etapa son parte de sus piezas más destacadas.
En mayo de 1822 visitó Nápoles para administrar el desarrollo del modelo para una escultura ecuestre del rey Fernando I de las Dos Sicilias, la excursión de la excursión influyó en su bienestar sensible a pesar de que en su re-visita a Roma se recuperó hasta cierto punto, sin embargo, en su visita anual a Possagno, su estado empeoró.
Lo trasladaron a Venecia, donde pateó el balde con claridad y calma. Sus últimas palabras fueron Anima bella e pura (alma deliciosa y sin adulterar), que articuló varias veces antes de terminar. Las declaraciones de los compañeros presentes en su intercambio aclararon que su rostro estaba asegurando una expansión en brillo y comportamiento.
Características de las obras de Antonio Canova
La creación total de Antonio Canova es amplia. Enormes figuras dejaron alrededor de 50 bustos, 40 esculturas y más de doce tertulias, junto a hitos funerarios y varios modelos en tierra y mortero para obras concluyentes, algunas de las cuales nunca han sido trasladadas al mármol, siendo, por tanto, piezas especiales, y en menor medida.
Las obras son placas y emblemas en relieve, obras de arte y dibujos, debajo hay un breve retrato de las raíces de su propio estilo, sus pensamientos estilizados y una parte de sus figuras más célebres.
Cultura neoclásica
El neoclasicismo fue una corriente filosófica y elegante ampliamente difundida que se creó entre el centro del siglo XVIII y mediados del siglo XIX en Europa y América. Respondiendo a la mezquindad y el diseño del rococó. La corriente neoclásica fue motivada por la costumbre de la elegancia grecorromana.
La selección de los estándares de solicitud, claridad, severidad, objetividad y paridad, con un motivo sermoneador. Este cambio prosperó bajo dos territorios principales: desde una perspectiva, los objetivos de la Ilustración, que dependían del realismo, lucharon contra nociones extrañas y doctrinas estrictas, y buscaban la mejora individual y el avance social a través de métodos morales.
En segundo lugar, un entusiasmo lógico en desarrollo. Por la artesanía y la cultura de estilo antiguo que surgieron entre la red escolástica durante todo el siglo XVIII, los descubrimientos arqueológicos vigorizantes, la disposición de importantes surtidos abiertos y privados y la distribución de exámenes profundos sobre la artesanía y la cultura.
Principales obras de Antonio Canova
Entre los trabajos más relevantes de Antonio Canova, tenemos algunos que se destacan por su notoriedad en la historia. De los cuales serán mencionados a continuación:
- Teseo y el Minotauro
- Lugar de enterramiento de Clemente XIV
- Eros y psique
- Venus y Adonis
- Lugar de enterramiento de la archiduquesa María Cristina de Habsburgo
- Jugadores de astrágalo
- Perseo con la cabeza de Medusa
- Paulina Bonaparte como Venus victoriosa
- Venus en cursiva
- Teseo en batalla con un centauro
- Las Tres Gracias
Las tres Gracias
La obra de Antonio Canova Las tres gracias es una reunión escultórica de mármol neoclásico de las tres caritas fantasiosas, niñas de Zeus que hablaban de la magnificencia, el atractivo y la felicidad. Las Gracias dirigieron las comidas y las reuniones fundamentalmente para atraer y encantar a los visitantes de los Dioses.
Se distinguen en ciertos grabados sobre la escultura como (de izquierda a derecha) Eufrósine, Aglaya y Thalia. En realidad, hay dos formas de la obra de Canova: la principal, enviada por Josefina de Beauharnais, la pareja de Napoleón, se conserva en el Museo del Hermitage de San Petersburgo (Rusia)
Las tres diosas de Antonio Canova se muestran desnudas, juntas en un agarre, sus cabezas prácticamente contactando en lo que muchos han descrito como una obra de carga sexual. Están de pie, inclinándose hacia adentro; tal vez hablando de un tema típico, o básicamente participando de estar juntos.
Las tres damas se vuelven una por el agarre, unidas por sus manos, pero adicionalmente por el manto que se dobla sobre cada una de las tres. La solidaridad de las Gracias es uno de los temas principales del trabajo. En la forma principal de la obra autorizada por Josefina, las Gracias permanecen en un espacio conciliador especial escalonado decorado con tres coronas de flores y coronas que representan sus delicados y estrechos vínculos.
Psique reanimada por el beso del amor
Mind era la más joven de las tres hermanas, las niñas del gobernante de Anatolia en Asia, y además era la más maravillosa. Envidiosa de su magnificencia, la diosa Afrodita envió a su hijo Eros para darle un rayo que la haría comenzar a mirar con los ojos llenos de estrellas al hombre más despreciable y espantoso que existía.
En el momento en que Eros la vio, comenzó a mirarla con los ojos llenos de estrellas de inmediato, arrojó su rayo al océano y se colgó fuerte para que ella cabeceara y la llevara a su residencia real. Allí vivieron durante un período como seres queridos hasta que Afrodita descubrió y condenó a Psique a una serie de trabajos difíciles, de los que Eros finalmente la liberó.
La historia posee un término feliz, donde Afrodita finalmente dio su consentimiento para la relación de los dos jóvenes y luego se casaron. Antonio Canova habla en este modelo el segundo donde Eros resucita a Psyche de ella acostada con un beso posterior a haberla llevado a su residencia real.
La obra tiene un sentido general de lectura frontal, a pesar de que no se ha ignorado su tridimensionalidad, pero sin duda debe verse desde el borde que se introduce aquí en la foto. La estructura es profundamente poderosa y se realiza mediante métodos de cuatro bordes afilados o manejo de hachas.
Una separación
Dos de ellos separados por las alas de Eros y los otros dos por los grupos de las figuras. El centro en el que se fusionan los cuatro vectores está compuesto por las dos cabezas que se encuentran cercanas y personales después del beso. La joven Psique recupera y despierta de su reposo viendo con ojos limitados el rostro clavado de Eros.
Que la sostiene con indignante delicadeza bajo su pecho. Se ve que el cuerpo de la mente, de extraordinario atractivo, se mueve gradualmente, impulsando su pierna izquierda sobre su derecha todo incluido. Un delicado manto con delicados pliegues envuelve su cuerpo y cubre su sexo, siguiendo los estándares de la discreción triunfantes en ese punto, en el que no aparecían los genitales de los sujetos a los que hablaba.
La postura suelta y ligeramente doblada del cuerpo de Psyche denota un contraste conspicuo con la comodidad del cuerpo y las alas de Eros. Se considera que dependen de un esfuerzo extraordinario, tal vez porque está cargado de vulnerabilidad sobre cómo responderán sus seres queridos. Ante el beso que le ha dado. Las dos figuras se posan sobre una base sin forma conocida, que tiene la capacidad de levantar los cuerpos para caracterizar la organización.
Delicadeza
Antonio Canova tuvo la delicadeza de cortar en el mármol todos los componentes ordinarios de las carrocerías hasta el último tramo, incluyendo cada una de las plumas de las alas de Eros, con todas las fijaciones y sus cuerdas. La última terminación se dio mediante la limpieza con polvo de mármol para lograr una perfección increíble en todas las superficies.
El tamaño de esta obra es casi natural, con un ancho de alrededor de 1,50 metros. El resultado es un modelo de primera clase, a pesar de tener ciertas ventajas de estilo, de acuerdo con el neoclasicismo del segundo aspecto del siglo XVIII, del cual Antonio Canova es visto como su mejor trabajador de piedra.
Sea como fuere, más allá de sus características formales y especializadas, esta obra refleja una humanidad profunda, a la que habla la delicadeza de los dos héroes, conectados en una instantánea encantada de amor incomparable y animal. Es todo menos un amor mágico, insignificante y glorificado, es un cariño que se nota en los dos grupos de jóvenes.
Uno arrebatado por una energía delicada y el otro, perezoso y abandonado, en abierta aquiescencia. Así, esta obra es una de las más conocidas de este artista italiano, padre del academicismo neoclásico, que luego volvió a comprometer lo inconcebible de su obra para hablar de las cualidades más costosas del ideal de su tiempo: la representación.
Possagno
Antonio Canova fue concebido en Possagno, una ciudad que tenía un lugar con la República de Venecia en 1757. Creció con su abuelo, que era un artista, y el último muy pronto entendió los regalos de su nieto por esta obra. De joven trabajó en esta artesanía y el defensor de su abuelo, el senador Falier de Venecia lo tomó bajo su tutela.
Lo llevó a ingresar como suplente en el taller de Giuseppe Bernardi, quien era un artista eminente. En Venecia, la joven Canova se acercó a los increíbles surtidos de mano de obra que había en la ciudad, para lo cual su preparación tuvo un importante complemento, contemplando el modelo de antaño y elaborado por el Renacimiento y el Barroco.
Sus obras, producto de su habilidad inicial, fueron excepcionalmente aplaudidas por sus compañeros, aumentando así extraordinarios reconocimientos y encargos. Hacia finales de 1779 se trasladó a Roma para mejorar adicionalmente su especialidad y además visitó Florencia y Bolonia por este motivo.
En Roma incrementó la distinción extraordinaria desde el primer punto de partida, ampliando sus pedidos, lo que le llevó a abrir un estudio en la ciudad y establecerse para siempre en él. Una de las partes más características de la permanencia de Antonio Canova en Roma fue la posibilidad de considerar en detalle las obras escultóricas griegas y romanas.
Artesanía
Sumado a la generosidad de especialistas e investigadores de la oportunidad que llegaron a contemplar la mano de obra anticuada, la apoyó indiscutiblemente como resultado del neoclasicismo del trazo. Nombrado supervisor de la variedad de artesanías del papado, Canova tuvo la opción de ejercer su posición.
Como el as indiscutible de la fundación y su impacto comenzó a sentirse en Italia, pero también en toda Europa. Visitó diferentes capitales del continente en viajes de estudios y en 1802 fue recibido por Napoleón en París para realizar una progresión de cuadros.
En la capital francesa se reunió con diferentes investigadores y estudiosos del neoclasicismo en una enérgica condición escolástica que animó aún más su influencia en los medios creativos. Volviendo a Roma en 1816, el Papa le asignó para siempre 3.000 escudos de beneficios y lo respetó con el título de Marqués de Ischia.
Antonio Canova, que era un trabajador incansable, comenzó a experimentar los efectos nocivos de su bienestar, aun así, a pesar de todo, realizó diferentes excursiones por Italia para gestionar diferentes obras y en el resto de ellas a Nápoles, en 1822, resultó ser genuinamente enfermo. Tras su nueva visita a Roma se recuperó en su mayor parte.
Pero debido a su delicada condición fue trasladado a Venecia, donde falleció ese mismo año. Sus últimas palabras fueron Anima bella e pura, que significa: alma excelente y sin adulterar. Estaba cubierto de importantes privilegios en su antiguo barrio Possagno. Su corazón fue separado y almacenado en una urna monitoreada en la Academia de Venecia.
Venus itálica
La Venus de Itálica es un modelo cortado en el siglo II d.C. C., concurriendo con la orden de Adriano, cabeza del Imperio Romano (117-138), y que imita el modelo creativo de Afrodita Anadyomene que se concibe a partir de las aguas.
Fue hallada en la localidad de Santiponce por una familia, semicubierta en su propia casa, en 1940. A modo de relato, cabe destacar que durante mucho tiempo solo se destapó una paleta y la familia la utilizó para separar nueces, sin tener en cuenta lo encubierto un par de centímetros. Reuniendo por Antonio Canova ciertos atributos especiales:
- Estilo: helenístico
- Altura: 2,11 metros.
- Ella transmite una hoja de colocasia en su mano derecha.
- Protección
- La Venus de Itálica se exhibe en el Museo Arqueológico de Sevilla, en Andalucía.
Venus victoriosa
Una de las obras más notables de Antonio Canova es la Venus victoriosa de la que habla Paulina Bonaparte. Esta obra de mármol se entregó en algún lugar entre 1804 y 1808. Paulina Bonaparte aparece acostada en una cama en estilo romano personificando la imagen de la diosa legendaria.
Antonio Canova presenta la turgencia de seda brillante del mármol, cualidad excitante femenina y retoma el tema de las Venus adormiladas venecianas. Una obra que posee un estilo y belleza única e incomparable.
Venus y Adonis
Uno de los increíbles artesanos del neoclasicismo italiano fue Antonio Canova. Desarrolló los campos de la pintura y el modelo y fue especialmente en este último control donde superó las expectativas. Su estilo fue despertado por la especialidad de la antigua Grecia y sus obras contrastaron en su tiempo y la mejor creación de tiempos pasados.
La verdad sea dicha, Antonio Canova fue vista como la mejor cantería europea de la época. Su impacto denota la figura de todo el continente, y en los especialistas de su época, pero también de finales del siglo XIX. Para él, la investigación inmediata de la naturaleza fue básica para él para buscar la excelencia característica que veía reflejada en la figura tradicional griega.
Cuyo estándar era un referente ineludible. En la época de Canova, el neoclasicismo fue una respuesta contra la inutilidad del decorativismo lujoso y, cómo lo impulsó la antigua convención grecorromana, el tema reunió numerosos relatos de tipo legendario. Uno de ellos es el titulado Venus y Adonis que realizó en 1794.
Una cultura
Sobre estos dos personajes, el folclore cuenta que Venus era la diosa de la adoración y un día jugando con su hijo Cupido, sin darse cuenta la hirió con uno de sus rayos. En el momento en que la lesión aún no se había recuperado, Venus conoció a Adonis y, obviamente, experimentó sentimientos apasionados por él.
El trabajo de Antonio Canova le habla cerca de su amado inclinándose hacia su hombro izquierdo mientras su mano toca su rostro y lo mira de una manera incómoda. Tiene motivación para sentirse incómodo a la luz del hecho de que, como cuenta la leyenda.
Adonis pateó el balde mientras perseguía y aquí lo vemos transportando un arma de fuego en su mano derecha. Se une a su canino persiguiendo. Por eso ella recibe esta posición tendiente a reprimirlo y lo mira de esa manera excepcional ya que detecta el mortal resultado de la salida.
Antonio Canova realizó la obra en mármol de seda y habló con los personajes en una señal más contemporánea que ejemplar, refinándolos. El modelo doble fue del Marqués de Salsa, un aristócrata de Nápoles, sin embargo hoy ya no está en Italia excepto en Suiza, en el Museo de Arte e Historia de Ginebra.
Teseo y el minotauro
Después de establecerse para siempre en Roma, sabiendo profundamente elaborado por el vestigio romano y habiendo aclimatado los estándares del estilo neoclásico principalmente a través del contacto con diferentes artesanos y expertos de la época, Antonio Canova muestra su perspicacia en este encuentro escultórico.
La obra principal en la que concede su crédito al neoclasicismo. Canova hizo esta estructura para cubrir un encargo realizado en 1781 por el anterior representante de Venecia en Roma, Girolamo Zulian. Parece ser que este encargo fue, justamente, una garantía monetaria imparcial hacia el artesano.
Ya que una vez terminada la pieza el representante no quiso quedársela y se la ofreció al propio cantero, quien terminó vendiéndose por una enorme suma totalidad. Fue simplemente el artesano quien sin reservas eligió el tema de Teseo y el Minotauro. Desde el principio, el trabajador de la piedra pensó en hablar con los personajes.
En la hora de la batalla a la luz del hecho de que la florida convención todavía estaba inactiva por dentro. Por fin Antonio Canova, afectado por sus compañeros y guías, decidió hablar a un segundo más tranquilo, más acorde con el nuevo discernimiento creativo y alejado de la forma habitual de lidiar con el espectáculo de la batalla.
Con la bestia que habría sido terminado durante el estilo pasado y del que profesaba escapar. Según el folklore, Teseo, hijo del señor ateniense, eligió ser entregado al Minotauro, ya que aceptó que tendría la opción de vencer a la bestia, y realmente descubrió cómo ejecutar al monstruo, desarrollarse triunfante del laberinto y re-visita de Atenas.
Un folklore
Antonio Canova en este trabajo nos familiariza con el joven Teseo después de la rápida instantánea del fallecimiento del Minotauro, se zambulló en el asentamiento que gana después de la furia de la pelea, más en lo que respecta a la honorabilidad ejemplificada en la leyenda anticuada.
Inconsciente del salvajismo de los Lucha de manera similar que cientos de años antes de que Donatello interpretará su David, mostrándonos un santo tranquilo y prácticamente melancólico. La ocasión puede descifrarse como la victoria de la ética humana contra los poderes de la naturaleza.
Las figuras se nos presentan asociadas, configurando un cuadrado unitario, a pesar de que el de Teseo presenta una diferenciación que le permite mostrarse con autogobierno frente a la masa azul y postrada del monstruo, sobre el que se sitúa, y por dentro consumido en su victoria. No debemos ignorar la manera en que se habla de la leyenda juvenil.
Con estructuras de vida poderosa y glorificada, en las que el artesano elogia la excelencia física del cuerpo humano. En la superficie el artesano averigua cómo dar a sus modelos, a través de un ciclo dependiente de la piedra pómez completada a raíz de la terminación de la obra y a través de la cual da una pátina al mármol que hace que pierda el frío de este material.
Museo Canoviano de Possagno
El Museo de Antonio Canova es una estructura veneciana del siglo XVII regular de la ciudad de Possagno en el territorio de Treviso. Fue planeado y modificado en 1836, catorce años después de su desaparición, por Francesco Lazzari, según el deseo del hermanastro del artesano, Giovanni Battista Sartori.
La base del primer surtido que proviene legítimamente del estudio romano de Antonio Canova, se trasladó al espacio poco común planeado como una galería para el artesano. Los lienzos, los modelos de loza de inicio y los dibujos de Canova nos dan una comprensión de la vida y nos muestran la técnica meticulosamente esencial que se utilizó.
Una interpretación de pensamientos desde el papel hasta el mármol, pasando por el barro y la argamasa. El Museo Canova está aislado en varias zonas: las salas privadas, el laboratorio, la exposición y el ala avanzada. Las piezas más sazonadas de la casa incluso integran una parte del mobiliario único del artesano.
Galería
La muestra gigantesca del siglo XIX, es un espacio abovedado de estilo neoclásico que alberga la mayor parte de las maquetas de mortero que el artesano realizó para diferentes trabajos y encargos. El ala de vanguardia fue planificada por el planificador italiano Carlo Scarpa en 1957 y fue cuidadosamente coordinada en la estructura antigua.
Esta parte contiene una amplia gama de artículos, que incluyen una variedad de dibujos de loza y modelos de mortero, algunos que nunca se completaron realmente y otros se perdieron o borraron, incluida una escultura de George Washington. Para los fanáticos del artesano o los que adoran el molde, esto es una necesidad absoluta.
Las atractivas y ricas obras de Antonio Canova brindan la oportunidad ideal para maravillarse ante tanta majestuosidad. Una manera muy representativa de los niveles artísticos de nuestros antepasados. La cual puede disfrutar mediante este bello vídeo. ¡Disfrútalo!
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